LA IMPORTANCIA DE LA COLECCIÓN BLAISTEN

Torre Tlatelolco obra del arquitecto Pedro Ramírez Vázquez, antigua sede de la SRE, que fue donada por el gobierno a la UNAM, hoy Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

Con la salida de la Colección Blaisten del Centro Cultural Universitario Tlatelolco finalmente quien pierde es el público. Como sabemos el convenio de cinco años entre esta importante colección privada y la universidad concluyó y no se llegó a un acuerdo para renovarlo.

La presencia de la Colección Blaisten en un espacio de la UNAM marcaba un referente, una relación provechosa entre instituciones públicas y un ente cultural privado al ofrecer su acervo permanentemente.

Salas especiales de la Torre Tlatelolco del CCUT donde estuvo presente la Colección Blaisten de octubre 2007 a 2012.

Algunos critican que entre las 8000 obras que integran la colección no hay tantos artistas conocidos u obras maestras del arte. Si indagamos en el catálogo de la web Blaisten encontramos que si los hay, en el CCUT solo se exhibían alrededor de 150 obras además de las exposiciones temporales.

La importancia de Colección Blaisten destaca en su cantidad y calidad, por algo es considerada la más completa colección de arte mexicano del mundo, al integrarse principalmente por obras del periodo conocido como arte moderno mexicano entre 1900 y 1960, tiempo en que en México estaba en auge el movimiento del muralismo donde en general no se daba mayor importancia a la pintura de caballete y en el mayor de los casos esos artistas no fueron promovidos por los entes privados y públicos a diferencia de los muralistas.

 Lobby  del Museo Colección Blaisten en el CCUT.

La Colección Blaisten al resguardar y conservar arte moderno mexicano tiene también una relevancia como acervo testimonial, histórico y académico, porque permite a los expertos tener un panorama preciso  de la evolución del arte mexicano del siglo XX, a los académicos e investigadores representa una fuente de consulta, mientras que al público en general nos permite apreciar en las temáticas plasmadas, imágenes testimoniales de toda una época de nuestra historia.

Con la salida de la Colección Blaisten, la UNAM pierde obras de arte de personajes que en muchos casos fueron sus estudiantes en la primera mitad del siglo XX, varios de ellos formados en la antigua Academia de San Carlos hoy insignia de la ENAP. Pierden sus universitarios de hoy inmersos en las artes visuales al perder un espacio de consulta, referencia y apreciación estética.

Salas de la exposición permanente de la Colección Blaisten en el CCUT.

Perdemos quienes solo en espacios como estos podemos apreciar obras que de otra manera solo podemos admirar en contados museos gubernamentales o galerías de arte. De ahí que quizás el fin de la Colección Blaisten en la UNAM era dar a conocer, fomentar y educar sobre nuestro arte mexicano, lo propio y no como en muchos casos ahora se estila el promover lo extranjero como lo mejor del arte.

Quizás lo más pertinente para la Colección Blaisten es contar con un espacio propio, para ello podría recurrir a la fórmula que en su origen se hiciera para el Museo Tamayo, o encontrar otro modelo más práctico como lo podría ser la construcción o adecuación de un edificio financiado enteramente con recursos federales y del gobierno del DF el cual sea prestado a la colección en un comodato o concesión de 100 años y en donde el nuevo museo mediante el modelo de Fundación se autofinancie anualmente para su administración y operación con donaciones privadas, eventos y colectas. Un espacio para un nuevo museo sin duda podría encontrar cabida en el Bosque de Chapultepec o en la rehabilitación de alguna casona del Centro Histórico, zonas de gran afluencia de la ciudadanía y visitantes nacionales y extranjeros, ya que hoy el CCUT de la UNAM está lejos de la gente.

Salas de la exposición permanente de la Colección Blaisten en el CCUT.

Fotografías y textos: @eescamillaa

OCT 12: ENCUENTRO DE CULTURAS

Piedra del Sol, encontrada en 1790 en la Plaza Mayor de la Ciudad de México, La Piedra del Sol simboliza las concepciones del tiempo de los mexicas, al centro aparece la imagen del Quinto Sol que simboliza la vida y la muerte, mientras que en sus esquinas aparecen otros cuatro soles. Según la mitología nahua el mundo ha pasado por distintas eras de creación y destrucción, cada era se relaciona con un sol en particular. El Quinto Sol es la era actual. Museo Nacional de Antropología.

Un 12 de octubre de 1492 inicia una nueva empresa para Europa y también un nuevo paradigma para las culturas de América. Recordamos la histórica fecha en que Cristóbal Colón llega a América creyendo que desembarcaba en la India, a partir de entonces inicia un contacto por siglos entre Europa y América con todas sus implicaciones para los pueblos originarios: conquista, colonización y la introducción de una nueva vida política, social, cultural y económica.

La conmemoración del 12 de octubre recordando “El Descubrimiento de América” ha sido conocida también como el “Día de la Raza” ó el “Día de la Hispanidad”, siendo en España la máxima fiesta nacional, con carácter oficial desde 1918, mientras que en varios países de Latinoamérica también tuvo o tiene un carácter oficial incluso siendo un día feriado. En México desde 1928 el 12 de octubre se celebró oficialmente a iniciativa del Secretario de Educación Pública José Vasconcelos, aunque en la actualidad ya no tiene ese carácter. Mientras que para otros países latinoamericanos el 12 de octubre todavía es un día feriado, aunque ya con otros nombres por decreto constitucional: en Venezuela “Día de la Resistencia Indígena”, en Argentina “Día de la Diversidad Cultural Americana” en Chile “Día del Encuentro de Dos Mundos”. En Madrid “La Fiesta Nacional de España” año con año se celebra con un gran desfile militar que preside la Familia Real, los poderes de Estado y los representantes de las Autonomías.

En México la etapa formal de conquista y colonización inicia con Hernán Cortés, quien en 1521 logra la caída de Tenochtitlán, capital del Imperio Azteca el cual se extendía en gran parte de Mesoamérica. Cabe recordar que en la toma de Tenochtitlán, Cortés la logró con ayuda de pueblos que eran sometidos ferozmente por los Aztecas. A partir de entonces la Ciudad de México sería la capital del nuevo Reino de la Nueva España.

Maqueta de la antigua Tenochtitlán, pirámides que serian desmanteladas para la construcción de las nuevas edificaciones civiles y religiosas. Museo Nacional de Antropología.

La Colonización de la Nueva España se implementó con una estrategia militar, después de las guerras de conquista por todo el nuevo territorio inició una etapa pacificadora para los pueblos originarios, donde tuvo importante papel la evangelización a través de las órdenes monásticas como agustinos, franciscanos y dominicos inicialmente. En esa etapa algunos religiosos desestancaron notablemente por la defensa de los pueblos sometidos como el Obispo Bartolomé de las Casas en Chiapas, o el Obispo Vasco de Quiroga en Michoacán quien emprendió una labor humanista y unificadora con el pueblo Purépecha, la única cultura de Mesoamérica que no pudo ser sometida por los Aztecas.

Con el correr de los años La Nueva España se fue configurando siendo un Reino parte del “Imperio donde nunca se ponía el sol” ya que en el reinado de Felipe II el imperio Español era el más extenso del planeta, con la anexión de Portugal en 1580 y las posesiones en otras partes de América, África y las Filipinas en Asia.

Vista del Centro Histórico de la Ciudad de México.

A diferencia de otras colonizaciones como las de los anglosajones, los españoles tuvieron una colonización unificadora socialmente, a raíz del mestizaje que forma parte de la mayoría de la población, aunque existiendo la diferencia de clases por raza y la esclavitud.

A principios del siglo XIX con la dispersión de las ideas ilustradas de los enciclopedistas franceses y ante la coyuntura de la invasión Napoleónica de Francia a España, personajes libertarios vieron la oportunidad de buscar la Independencia y crear una nueva Nación Soberana, hecho que iniciarían en 1810 y consumarían en 1821.

Coatlicue “Tonantzin” madre de Huitzilopochtli dios patrono de los Aztecas. Museo Nacional de Antropología.

Es así como “El Día de la Raza” o descubrimiento de América tiene diversas connotaciones para unos y otros. Hoy el legado español está presente en la cultura, en sus descendientes y mestizaje, en el idioma, siendo el español la segunda lengua que más personas hablan en el mundo, en la religión siendo el catolicismo la fe que más personas profesan. Ideas, costumbres y tradiciones populares, civiles y religiosas, que también fueron asimiladas o conjugadas por los pueblos originarios. Un rico patrimonio histórico, artístico y cultural hoy en busca de su conservación ante la globalización y demás retos de la actualidad, pero también inmerso en un provecho turístico y comercial.

Textos y fotografías: @eescamillaa

EL LEGADO DE MORELOS: LAS INSTITUCIONES

Monumento ecuestre a Morelos, Morelia. Bronce, 1913, escultor Joseph Inghillieri.

JOSÉ MARÍA MORELOS Y PAVÓN sin lugar a dudas es uno de los grandes forjadores de la Nación junto a Hidalgo, Juárez o Madero, personajes que brindaron una auténtica labor que trasciende sus épocas para el beneficio de las mayorías y de la construcción del país. Morelos nació un 30 de septiembre de 1765 en Morelia, Michoacán, fue sacerdote, militar y político quien llevo a cabo un transcendental papel en el Movimiento Independentista.

Algunos historiadores señalan que si bien Hidalgo es el PADRE DE LA PATRIA por iniciar la causa de Independencia, Morelos bien puede ser considerado PADRE DEL ESTADO MEXICANO ya que fue el forjador de lo que sería la nueva Nación como un país libre, independiente y soberano, fundando para ello las primeras instituciones políticas.

Video Canal Bicentenario México

Entre los propios  Insurgentes había quienes buscaban lograr la Independencia de México de España (entonteces dominada por la Francia Napoleónica), ofreciendo el trono de México al Rey Fernando VII preso por Napoleón. Idea que no era compartida por otros muchos insurgentes como Morelos quien en todo momento busco construir una nueva Nación, estableciendo la REPÚBLICA como sistema político de gobierno y la DEMOCRACIA como medio para elegir a los gobernantes. Para ello era necesario fundar las instituciones y así lo hizo:

 

Fragmento del Mural “Morelos y la Justicia” (1976) de Agustín Cárdenas Castro, ex Palacio de Justicia de Michoacán, Morelia.

EL PODER LEGISLATIVO Y EJECUTIVO: En 1811 fue instaurada en Zitácuaro, Michoacán la Suprema Junta Nacional Gubernativa, por Ignacio López Rayón,  esto con anuencia de Morelos según consta en la carta que le escribió: http://memoriapoliticademexico.org/Textos/1Independencia/1811MIR.html (Morelos no asistió físicamente al encontrarse comandando en el Cuartel General de Tixtla) La también llamada junta de Zitácuaro fungió como la primera junta representativa de gobierno para la nueva Nación, sin embargo Rayón y sus seguidores buscaban reconocer la figura de Fernando VII que entre otras desavenencias terminaron por remplazar la Junta.

Morelos y sus seguidores integraron un Congreso que reemplazó la Junta Nacional, el cual fue integrado por representantes de las provincias novohispanas. En 1813 fue convocado el llamado Congreso de Anáhuac en Chilpancingo, Guerrero primer antecedente del Poder Legislativo en México. Ante el congreso Morelos expresó “Los Sentimientos de la Nación” documento donde se manifiesta en pro de la DEMOCRACIA Y DIVISIÓN DE PODERES: “Que la soberanía dimana inmediatamente del Pueblo, el que solo quiere depositarla en sus representantes dividiendo los poderes de ella en Legislativo, Ejecutivo y Judicial”. Cabe recordar que el Congreso ofreció a Morelos el título de "Alteza Serenísima", lo cual no acepto Morelos en acto de humildad prefiriendo ser llamado "Siervo de la Nación".

Fragmento del mural “Retablo de la Independencia” (1961) de Juan o´Gorman, 

Castillo de Chapultepec.

LA PRIMERA CONSTITUCIÓN MEXICANA: Morelos instauró en Apatzingán, Michoacán el Congreso Constituyente que promulgó la Constitución de 1814 donde se establecieron las garantías individuales de los ciudadanos. EL PODER JUDICIAL: Así mismo Morelos instauró en Ario de Rosales, Michoacán el Supremo Tribunal de Justicia de la Nación en 1815, antecedente del la actual Suprema Corte de Justicia de la Nación. Fue así como Morelos dejo un gran legado institucional que bien vale recordar en sus orígenes.

Fotografías y textos: @eescamillaa

LA “RESTAURACIÓN” DE LA PINTURA DE BORJA

Menuda polémica ha desatado “la restauración” que inocentemente hizo una señora octogenaria aficionada a la pintura a una obra de 1930 en España, ya que en su intento arruino la obra. La noticia por su peculiaridad, polémica, incluso comicidad, pronto se dispersó por las redes sociales siendo nota de interés de varios medios noticiosos internacionales.

Santuario de la Misericordia de Borja. 
Foto e información detallada del lugar en:

http://www.borja.es/turismo/el-santuario

La Restauradora ha saltado a la fama y ha puesto en el mapa a su ciudad natal, Borja, en Zaragoza, España, una población rural de alrededor de 5000 habitantes. La pintura en cuestión se halla en el Santuario de la Misericordia ubicado en una colina a 5km de la población de Borja. 

No se trata de un cuadro o lienzo, sino de una pintura mural de unos 50x40cm aproximadamente, pintada al óleo sobre el muro de una columna del templo, siendo originalmente una obra realizada en 1930 por Elías García Martínez (Requena, 1858 - Utiel, 1934) quien fue un profesor de arte en la ciudad de Zaragoza, y quien se sabe pinto la obra en poco tiempo en una de sus estancias vacacionales en Borja. 

La pintura representa a Cristo en la iconografía de “Ecce Homo” “He aquí el hombre” que recuerda el episodio y las palabras pronunciadas por Pilatos al presentar a Cristo a la muchedumbre antes de ser crucificado, Mateo 27:24

El templo donde se ubica la pintura se encuentra en malas condiciones, hay presencia de humedad, goteras y salitres, por lo que la pintura del “Ecce Homo” se encontraba muy deteriorada, se sabe según la información que ofrecen medios españoles  que la pintura anteriormente ya había sido restaurada en varias ocasiones por la misma aficionada a la pintura, pero en esta última  intervención del rostro se salió de control.

“Ecce Homo” original:

“Ecce Homo” restaurado:

Fotos del "Ecce Homo" y noticia del caso en:

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/08/21/actualidad/1345563468_581914.html

Evidentemente la obra original no tiene un valor artístico relevante y no es una obra catalogada en el patrimonio del gobierno español. Sin embargo el hecho mediático que despertó la acción de la restauradora le dado otro sentido en varias vertientes:

1.- Obra original fuera de lugar: en un sentido estricto la pintura del “Ecce Homo” de Borja esta fuera de lugar, nunca debió haber sido pintada en la base de una de las columnas del histórico templo, ya que el hecho es ajeno a cualquier consideración iconográfica, histórica y arquitectónica en el sentido que tienen la distribución y significado de las imágenes en los espacios religiosos, claro está en los inmuebles históricos, donde erróneamente es común ver en tiempos recientes como se encargan nuevas obras a colocar sin ningún sentido, solo por ornato o por porque se cree que se vería mejor.

2.- La importancia de la conservación: La restauración del “Ecce Homo” de Borja es solo un ejemplo notorio, pero cuantos errores de restauración uno puede ver en varios recintos históricos, sobretodo en sitios alejados, donde quizás por falta de conocimiento o de recursos se encargan restauraciones a talentos locales quienes sin mala intención arruinan obras históricas. Esto da pie a que sería oportuno nuevas legislaciones en materia de restauración en un carácter estricto, donde todo patrimonio artístico catalogado o no, que se sea parte o se encuentre dentro de un Bien de la Nación que se pretenda sea restaurado, pase por un proceso formal, un comité que valué, documente y asigne restauradores profesionales.

3.- Los 15 minutos de fama: La restauración del “Ecce Homo” es otro ejemplo del poder de las redes sociales, el hecho primeramente lo documento el blog del Centro de Estudios Borjanos,  http://cesbor.blogspot.mx/2012/08/en-torno-lo-acaecido-en-el-santuario-de.html posteriormente el Heraldo de Aragón, para posteriormente a través de twitter, facebook y you tube difundirse siendo noticia en los medios de comunicación internacionales como la BBC, TVE, CNN, Le Monde, o el Telegraph, siendo el caso trending topic mundial en twitter con los hashtags  #EcceHomo #eccehomodeborja  ó #Eccemono  Donde quizás en este hecho también cabe la frase de Andy Warhol: "En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos. Todo el mundo debería tener derecho a quince minutos de gloria."

4.- Del bullying a la valorización de la obra: La fallida restauración del “Ecce Homo” fue objeto de burlas y parodias, tanto de la intervención pictórica como de la propia ejecutante. Sin embargo han surgidos movimientos en redes sociales que valorizan la acción, considerándola un acto autentico de arte. Incluso firmas de apoyo para que la obra no sea devuelta a su condición original, como a continuación el sitio con más de 7000 firmantes: http://www.change.org/es/peticiones/ayuntamiento-de-borja-zaragoza-mantenimiento-de-la-nueva-versi%C3%B3n-del-ecce-homo-de-borja

5.- Evitar casos de imitación: Aun cuando la obra no es de gran merito artístico para algunos es positivo que se arregle la obra a su estado original para evitar una mala interpretación del hecho, dejar un precedente, o evitar legitimar la acción alegando autenticidad, ingenuidad o buena intención. Hecho que en otros lugares puede ser imitado por otros aficionados por buscar notoriedad, una acción artística de protesta o vandalismo como ha ocurrido con obras de arte afamadas. Bien podría el Ayuntamiento de Borja encargar obra artística a la Señora para que sea exhibida y subastada en varias ciudades del mundo, logrando recabar fondos para la restauración profesional del patrimonio de Borja.

Texto: @eescamillaa     

Créditos de fotos y vídeo en los respectivos enlaces.  

EL DISCURSO DEL ARTE HOY

A propósito de la Feria de Arte Zona Maco 2012 celebrada recientemente, podríamos ver en ella una pauta de lo que sucede en el cardinal mundo del arte actual, donde algunos críticos ven en este arte un producto comercial e imagen efímera y otros un arte puro y de las ideas que trascienden lo establecido.

Algunos consideran que el arte de hoy está en un limbo, donde se retoman y reciclan las vanguardias del pasado, obras sin nuevas propuestas en la mayoría de los casos inmersos en el postconceptualismo, el postmodernismo y el postminimalismo, mientras que en un segundo término quedan los estilos de tendencia acostumbrada, la abstracción y el realismo. Hoy no existe un estilo innovador definido que marque tendencia, hoy el arte apunta a todas direcciones y a la vez a nada. En el arte visual el empleo de los nuevos medios digitales y tecnologías están limitados a solo un sector de artistas.

Actualmente importantes puntos de encuentro anuales en el mercado del arte como las ferias ARCO de Madrid, FIAC  de París y en este caso MACO de la Ciudad de México, por mencionar algunas, siguen manteniendo un enfoque por favorecer el arte postconceptual primordialmente, una práctica promovida por los acaparadores del arte actual de Nueva York y Londres. 

El arte conceptual fue una manifestación innovadora en la segunda mitad del siglo XX, en nuestra actualidad el postconceptualismo del siglo XXI quizás no tiene mucho más que decir, algunos críticos de arte ven en el algo meramente lucrativo, un espectáculo, una pantalla comercial, inmerso en lo pseudointelectual y el falso vanguardismo, incluso con precios por encima de la realidad.

En el arte postconceptual por su origen y esencia en general predominan las obras realizadas con materiales cotidianos, reciclados, de fácil factura y muchas veces de presencia efímera, que sobresalen al momento pero que en la mayoría de los casos no proponen y  ni transcienden.  Sin dar primordial importancia a obras de buena factura, donde prevalezca el trazo, la talla, la forma, la estética, el juego de color, volúmenes, luces y sombras, incluyendo la esencia del mensaje o testimonio que el artista desea transmitir. Aunado a que algunas galeristas en este medio, naturalmente solo buscan el movimiento de sus stocks, crean y dan nombre a sus artistas solo por vender, apoyándose de sus relaciones en el mundo del arte y el marketing. 

La reciente edición de Zona Maco confirma su papel como el encuentro más importante del arte actual en México, un espacio donde convergen los principales galeristas, compradores y artistas del momento, reafirma su poder de convocatoria, presencia mediática e imagen, un espacio que se enfoca en el arte actual en boga. Aunque por su curaduría deja de lado las otras manifestaciones del arte de hoy, el arte inmerso en los medios digitales, el arte urbano, el arte académico de factura tradicional y por supuesto a todo aquello que remita al costumbrismo o folclor; siendo también un arte ajeno a los mensajes de crítica social, política, denuncia ciudadana u ambiental, quedando en el ámbito de lo decorativo e intelectual. 

Textos e imágenes: eescamillaa 

Interesante video de lo que sucede en el mundo del arte contemporáneo, en este caso arte del siglo XX:

BOTERO CELEBRA EN MÉXICO

Del 30 de marzo al 17 de junio 2012 está presente en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México la exposición “FERNANDO BOTERO: UNA CELEBRACIÓN” realizada en el marco de los festejos por los 80 años de vida y 65 aniversario de iniciarse como artista del Maestro Colombiano Fernando Botero (Medellín, 19 de abril de 1932). 

La exposición curada por la hija del artista Lina Botero, se compone de 177 piezas entre pintura, dibujo y escultura que muestran la evolución del artista. Las cuales fueron prestadas por  Berkeley Art Museum, la Fundación Mary Street Jenkins y coleccionistas privados,  el resultado es la mayor exposición  que hasta ahora se ha realizado del artista por el número de obras.

Fernando Botero es el artista plástico en Latinoamérica más cotizado del momento, sus obras de instantánea identificación por sus temáticas inmersas en profuso volumen, abundante colorido y la sensualidad de las formas, han tenido éxito en el mundo por su notable diferenciación y expresividad.

En palabras del artista se sintetiza el éxito de sus obras, la diferenciación: "La historia de la pintura es la historia de gente que ha pintado las mismas cosas, pero de forma distinta. Eso es lo central, tener un estilo que sea distinto, una versión fresca, diferente, reconocible y eso es lo más difícil de la pintura, lograr esa personalidad" Cita: http://www.eluniversal.com.mx/notas/838489.html

Siendo también objeto de agudas críticas por sectores del arte actual, al considerarse fuera de las tendencias del arte contemporáneo,  los estilos y la conceptualizad del arte de hoy. Incluso considerándose como un arte fácil, comercial, intencionado o del folclore. Como la crítica del cineasta galés Peter Greenaway premiado en Cannes y Venecia quien en 2010 hizo una instalación sobre el estilo del artista y expresaba: “Botero no ha hecho una contribución realmente significativa a los grandes pintores del siglo XX” Cita: http://www.elespectador.com/impreso/cultura/gente/articuloimpreso194067-peter-greenaway-contra-botero&usg=AFQjCNFmMPLLhFixXkFy3dGirAesMYx-xA

Inmerso en el arte figurativo por 65 años Fernando Botero manifiesta su rechazo al arte conceptual de hoy  “El arte contemporáneo o se ha intelectualizado en exceso o ha originado sensibilidades estúpidas. “Vivimos una época de confusión total. En muchos casos, el arte se ha convertido en pura basura” Cita: http://xlsemanal.finanzas.com/web/articulo.php?id_edicion=3807&id=39237

En fin, el arte de Botero ha sido una inspiración para muchos, un placer para los compradores, un notable testimonio del arte latinoamericano de hoy. En donde irónicamente queda bien la frase atribuida al genio del arte conceptual Marcel Duchamp “Contra toda opinión, no son los artistas sino los espectadores quienes hacen los cuadros”.

Textos y fotografías: eescamillaa 

RUTA DE DON VASCO

LA RUTA DE DON VASCO es un corredor turístico-cultural en el estado de Michoacán, el cual está conformado por una serie de poblaciones donde está presente el legado del humanista español Vasco de Quiroga, Primer Obispo de Michoacán quien en el siglo XVI emprendió una labor educativa, social, evangelizadora y de unificación con los habitantes originarios de la región tras la conquista española, el legendario Pueblo Purépecha, la única cultura de Mesoamérica que no fue conquistada por Los Aztecas.

Parte de la obra de Vasco de Quiroga fue fundar “Pueblos-hospitales” mediante misiones conventuales encomendadas en conjunción con los frailes agustinos y franciscanos. La parte medular de las poblaciones era el Templo para el oficio religioso, algunos con capillas abiertas al aire libre y el edificio anexo correspondiente al Hospital “Huatápera” en purépecha, la escuela de oficios y la casa de los religiosos.

La herencia de “Tata Vasco” como le nombran los purépechas, hoy en día se conserva en rico patrimonio cultural y etnográfico expresado en arquitectura, obras de arte, tradiciones, gastronomía, artesanías y demás manifestaciones de folclor e idiosincrasia.  

ARQUITECTURA: Patrimonio edificado de rico valor histórico y artístico se conserva en toda la ruta en poblaciones como Pátzcuaro, Tzintzuntzan , Zacán, Nurio, Pomacuarán o Tarecuato. Conjuntos conventuales de estilo plateresco y barroco; templos y casas habitación construidos en materiales tradicionales como piedra volcánica, cantera, adobe, madera, teja, tejamanil; como las Casonas de Pátzcuaro, o las tradicionales Trojes de Madera. 

OBRAS DE ARTE: Escultura única como las imágenes en bulto realizadas en la ancestral técnica de pasta de caña de maíz, como el Señor del Santo Entierro de Tzintzuntzan, un Cristo “que crece”, o la Virgen de la Salud de Pátzcuaro. Tallas en piedra como las cruces atriales, o las esculturas y relieves en las fachadas de las iglesias. Pintura novohispana en infinidad de oleos sobre tela,  frescos en los muros de sus conventos y profusos “cielos historiados” pintados en las bóvedas de algunos de sus templos. Obras de ebanistería en retablos, artesones y mobiliarios.

TRADICIONES: Música como el canto tradicional Purépecha la “Pirekua” declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO en 2010. Danzas tradicionales como la “Danza de los viejitos”, “Danza de las mariposas” y “Danza del pescado blanco”. Vestimenta tradicional de gran colorido que se acentúa en sus festejos. Tradiciones ancestrales que hoy en día se conservan, algunas de origen autóctono como la Noche de Muertos, algunas contenidas en la religión y sincretismo como las Tradiciones de Semana Santa, otras de interacción social como la ceremonia del fuego purépecha, rituales, el juego de pelota encendida o más recientemente el Festival de la Raza Purépecha de Zacán, concurso donde participan delegaciones de los pueblos de la meseta Purépecha, que se divide en cuatro regiones: la lacustre, la sierra, la cañada de los Once Pueblos y la región de Tarécuato y en donde se llevan a cabo manifestaciones musicales de Danzas, Pirekuas, Orquesta y Bandas.

GASTRONOMÍA: La rica Gastronomía Purépecha declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO también en 2010 se conserva gracias a las cocineras tradicionales que elaboran platillos y bebidas principalmente en base al maíz, como corundas, uchepos, enchiladas, atole (Ver Festival del atole de Tarecuato), así como con otros ingredientes como los charales y pescado blanco del lago de Pátzcuaro. Muchas de las cocineras aun conservan vigente en sus hogares las tradicionales cocinas de fogón dando un sabor único a los alimentos.

ARTESANÍAS: Cada uno de los pueblos de la Región Purépecha que integran La Ruta de Don Vasco conservan un oficio en particular; en la técnica de Cestería destaca Tzintzuntzan; en la Laudería las famosas guitarras de Paracho; en la Carpintería los juguetes de Quiroga, las tallas en madera de Pátzcuaro y los muebles de Cuanajo; en la Orfebrería los trabajos en cobre martillado de Santa Clara; en la Alfarería las ollas de Capula o de Cocucho y las Piña de barro vidriado de  San José de Gracia. Artesanías únicas como el maque y laqueado de jícaras y bateas en Uruapan o las mascaras y figuras alegóricas de poblaciones como Ocumicho donde sobresalen los diablitos y el árbol de la vida. En los textiles destacan los bordados de guanengos, vestidos y rebozos, algunos de ellos de gran valor artístico.

¡Vive esta experiencia presente solo en Michoacán! 

Textos y Fotografías: @eescamillaa

Sentimientos

Morelia

MORELIA, PATRIMONIO CULTURAL DE LA HUMANIDAD...